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エ リック・ドルフィー

(June 20, 1928 – June 29, 1964)

池田光穂

☆エ リック・アラン・ドルフィー・ジュニア(Eric Allan Dolphy Jr. 1928年6月20日 - 1964年6月29日)は、アメリカのジャズ・マルチ楽器奏者、バンドリーダー。主にアルト・サックス奏者、バス・クラリネット奏者、フルート奏者 [1]。彼のバス・クラリネットの使用は、ジャズにおけるこの型破りな楽器の確立に貢献した[2][3]。ドルフィーはアルト・サックスの語彙と境界を拡 張し、最も初期の重要なジャズ・フルート・ソロイストの一人であった

(June 20, 1928 – June 29, 1964) was an American jazz multi-instrumentalist and bandleader. Primarily an alto saxophonist, bass clarinetist, and flautist,[1] Dolphy was one of several multi-instrumentalists to gain prominence during the same era. His use of the bass clarinet helped to establish the unconventional instrument within jazz.[2][3] Dolphy extended the vocabulary and boundaries of the alto saxophone, and was among the earliest significant jazz flute soloists.[4][3]

His improvisational style was characterized by the use of wide intervals, in addition to employing an array of extended techniques to emulate the sounds of human voices and animals.[5][6][7] He used melodic lines that were "angular, zigzagging from interval to interval, taking hairpin turns at unexpected junctures, making dramatic leaps from the lower to the upper register."[6] Although Dolphy's work is sometimes classified as free jazz, his compositions and solos were often rooted in conventional (if highly abstracted) tonal bebop harmony.[8][9][10]
エリック・アラン・ドルフィー・ジュニア(Eric Allan Dolphy Jr. 1928年6月20日 - 1964年6月29日)は、アメリカのジャズ・マルチ楽器奏者、バンドリーダー。主にアルト・サックス奏者、バス・クラリネット奏者、フルート奏者 [1]。彼のバス・クラリネットの使用は、ジャズにおけるこの型破りな楽器の確立に貢献した[2][3]。ドルフィーはアルト・サックスの語彙と境界を拡 張し、最も初期の重要なジャズ・フルート・ソロイストの一人であった[4][3]。

彼の即興的なスタイルは、人間の声や動物の鳴き声を模倣するための拡張されたテクニックの数々を用いることに加え、広い音程を用いることを特徴としていた [5][6][7]。 [5][6][7]彼は「角ばった、音程から音程へジグザグに移動し、予期せぬ分岐点でヘアピンカーブを描き、低音域から高音域へ劇的な跳躍をする」 [6]メロディラインを使用した。ドルフィーの作品はフリー・ジャズに分類されることもあるが、彼の作曲とソロはしばしば従来の(高度に抽象化された)調 性ビバップ・ハーモニーに根ざしていた[8][9][10]。
Early life, family and education
Dolphy was born and raised in Los Angeles.[11][12] His parents were Sadie and Eric Dolphy, Sr.,[13] who immigrated to the United States from Panama.[1] He began music lessons at age six, studying clarinet and saxophone privately.[14] While still in junior high, he began to study the oboe, aspiring to a professional symphonic career,[14] and received a two-year scholarship to study at the music school of the University of Southern California.[12] Aged thirteen, he received a "Superior" award on clarinet from the California School Band and Orchestra festival.[14] He attended Dorsey High School, where he continued his musical studies and learned additional instruments.[14] By 1946, he was co-director of the Youth Choir at the Westminster Presbyterian Church run by Reverend Hampton B. Hawes, father of the jazz pianist of the same name.[14] He graduated in 1947, then attended Los Angeles City College, during which time he played contemporary classical works such as Stravinsky's L'Histoire du soldat and, along with Jimmy Knepper and Art Farmer, performed with Roy Porter's 17 Beboppers,[14] He went on to make eight recordings with Porter by 1949.[1] On these early sessions, he occasionally played baritone saxophone, as well as alto saxophone, flute and soprano clarinet.

Dolphy entered the U.S. Army in 1950 and was stationed at Fort Lewis, Washington.[15] Beginning in 1952, he attended the Navy School of Music.[7] Following his discharge in 1953, he returned to L.A., where he worked with many musicians, including Buddy Collette, Eddie Beal, and Gerald Wilson,[7] to whom he later dedicated the tune "G.W.", recorded on Outward Bound.[16] Dolphy often had friends come by to jam, enabled by the fact that his father had built a studio for him in the family's backyard.[12] Recordings made in 1954 with Clifford Brown document this early period.[17]
幼少期、家族、教育
ドルフィーはロサンゼルスで生まれ育った[11][12]。両親はパナマからアメリカに移住したサディとエリック・ドルフィー・シニア[13]、 [中学在学中にオーボエを習い始め、プロの交響楽団を目指した[14]。 [13歳のとき、カリフォルニア・スクール・バンド・アンド・オーケストラ・フェスティバルでクラリネットの「優秀賞」を受賞した[14]。 [1946年には、同名のジャズ・ピアニストの父であるハンプトン・B・ホーズ牧師が運営するウェストミンスター長老教会の青少年合唱団の共同ディレク ターを務めた。 [1949年までにポーターと8枚のレコーディングを行った[1]。これらの初期のセッションでは、バリトン・サックス、アルト・サックス、フルート、ソ プラノ・クラリネットを演奏することもあった。

ドルフィーは1950年にアメリカ陸軍に入隊し、ワシントン州フォートルイスに駐留した[15]、 そこでバディ・コレット、エディ・ビール、ジェラルド・ウィルソン[7]ら多くのミュージシャンと活動し、後に『Outward Bound』に収録された「G.W.」を捧げた[16]。ドルフィーは、父親が家の裏庭に彼のためにスタジオを建ててくれたおかげで、しばしば友人たちを ジャムに招いていた[12]。
Career
Dolphy gained his big break when he was invited to join Chico Hamilton's quintet in 1958.[11] With the group he became known to a wider audience and was able to tour extensively through 1958–59, when he left Hamilton's group and moved to New York City.[7] Dolphy appears with Hamilton's band in the film Jazz on a Summer's Day playing flute during the Newport Jazz Festival of 1958.

Partnerships
Charles Mingus
Charles Mingus had known Dolphy from growing up in Los Angeles,[18] and the younger man joined Mingus' Jazz Workshop in 1960, shortly after arriving in New York.[19] He took part in Mingus' big band recording Pre-Bird (sometimes re-released as Mingus Revisited), and is featured on "Bemoanable Lady".[20] Later he joined Mingus' working band which then also included Ted Curson. They worked at the Showplace during 1960 (memorialized in the poem "Mingus at the Showplace" by William Matthews),[21] and recorded two albums together, Charles Mingus Presents Charles Mingus and Mingus at Antibes, the latter featuring Booker Ervin on almost all tracks and Bud Powell guesting on "I'll Remember April". Dolphy, Mingus said, "was a complete musician. He could fit anywhere. He was a fine lead alto in a big band. He could make it in a classical group. And, of course, he was entirely his own man when he soloed.... He had mastered jazz. And he had mastered all the instruments he played. In fact, he knew more than was supposed to be possible to do on them."[22]

During this time, Dolphy participated in other recording sessions with Mingus for the Candid label and took part in the Newport Rebels session.[23] In 1961, Dolphy left Mingus' band and went to Europe for a few months, where he was recorded in Scandinavia and Berlin. (See The Berlin Concerts, The Complete Uppsala Concert, Eric Dolphy in Europe Volumes 1, 2, and 3 (1 and 3 were also released as Copenhagen Concert), and Stockholm Sessions.[24]) He was later among the musicians who worked on Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus in 1963, and is featured on "Hora Decubitus".

In early 1964, he returned to Mingus' working band,[7] now including Jaki Byard, Johnny Coles, and Clifford Jordan. This sextet worked at the Five Spot before playing at Cornell University and Town Hall in New York (both were recorded: Cornell 1964 and Town Hall Concert) and subsequently touring Europe. The short tour is well-documented on Revenge!, The Great Concert of Charles Mingus, Mingus in Europe Volume I, and Mingus in Europe Volume II.

John Coltrane
Dolphy and John Coltrane knew each other long before they formally played together, having met when Coltrane was in Los Angeles with Johnny Hodges in 1954.[25][26] They would often exchange ideas and learn from each other,[27] and eventually, after many nights sitting in with Coltrane's band, Dolphy was asked to become a full member in early 1961.[28][29] Coltrane had gained an audience and critical notice with Miles Davis's quintet, but alienated some leading jazz critics when he began to move away from hard bop. Although Coltrane's quintets with Dolphy (including the Village Vanguard and Africa/Brass sessions) are now accepted, they originally provoked DownBeat magazine to brand Coltrane and Dolphy's music as 'anti-jazz'. Coltrane later said of this criticism: "they made it appear that we didn't even know the first thing about music (...) it hurt me to see [Dolphy] get hurt in this thing."[30]

The initial release of Coltrane's residency at the Vanguard selected three tracks, only one of which featured Dolphy. After being issued haphazardly over the next 30 years, a comprehensive box-set featuring the music recorded at the Vanguard was released on Impulse! in 1997, called The Complete 1961 Village Vanguard Recordings. The set features Dolphy heavily on both alto saxophone and bass clarinet, with Dolphy the featured soloist on their renditions of "Naima".[31] A 2001 Pablo box set, drawing on recordings of Coltrane's performances from his European tours of the early 1960s, features tunes absent from the 1961 Village Vanguard material, such as "My Favorite Things", which Dolphy performs on flute.[32]

Booker Little
Trumpeter Booker Little and Dolphy had a short-lived musical partnership.[33] Little's leader date for Candid, Out Front, featured Dolphy mainly on alto sax, though he played bass clarinet and flute on some ensemble passages. In addition, Dolphy's album Far Cry, recorded for Prestige, features Little on five tunes (one of which, "Serene", was not included on the original LP release).

Dolphy and Little also co-led a quintet at the Five Spot during 1961. The rhythm section consisted of Richard Davis, Mal Waldron and Ed Blackwell.[1] One night was documented and has been released as At the Five Spot (plus a Memorial Album) as well as the compilation Here and There. In addition, both Dolphy and Little backed Abbey Lincoln on her album Straight Ahead and played on Max Roach's Percussion Bitter Sweet. Little died at the age of 23 in October 1961.

Others
Dolphy also performed on key recordings by George Russell (Ezz-thetics), Oliver Nelson (Screamin' the Blues, The Blues and the Abstract Truth, and Straight Ahead), and Ornette Coleman (Free Jazz: A Collective Improvisation and the Free Jazz outtake on Twins). He also worked and recorded with Gunther Schuller (Jazz Abstractions), multi-instrumentalist Ken McIntyre (Looking Ahead), and bassist Ron Carter (Where?).
経歴
ドルフィーは、1958年にチコ・ハミルトンのクインテットに招かれ、大ブレイクを果たした[11]。 このグループで彼はより多くの聴衆に知られるようになり、1958年から59年にかけて大規模なツアーを行うことができたが、ハミルトンのグループを脱退 し、ニューヨークに移った[7]。

パートナーシップ
チャールズ・ミンガス
チャールズ・ミンガスはロサンゼルスで育ったドルフィーを知っており[18]、ドルフィーはニューヨークに到着した直後の1960年にミンガスのジャズ・ ワークショップに参加した[19]。 彼はミンガスのビッグバンド・レコーディング『Pre-Bird』(『Mingus Revisited』として再発されることもある)に参加し、「Bemoanable Lady」でフィーチャーされている[20]。1960年、彼らはショープレイスで活動し(ウィリアム・マシューズの詩 "Mingus at the Showplace "に記念されている)[21]、2枚のアルバム『Charles Mingus Presents Charles Mingus』と『Mingus at Antibes』を一緒に録音した。後者にはブッカー・アーヴィンがほぼ全曲に参加し、バド・パウエルが "I'll Remember April "にゲスト参加している。ドルフィーは「完全なミュージシャンだった。彼はどこにでもフィットできた。ビッグバンドではリード・アルトとして活躍した。ク ラシックのグループでも成功した。そしてもちろん、ソロを弾くときは完全に彼自身だった......。彼はジャズをマスターしていた。そして、彼が演奏す るすべての楽器をマスターしていた。実際、彼はその楽器でできるはずのこと以上のことを知っていた」[22]。

1961年、ドルフィーはミンガスのバンドを離れ、数ヶ月間ヨーロッパに渡り、スカンジナビアとベルリンでレコーディングを行った。(The Berlin Concerts』、『The Complete Uppsala Concert』、『Eric Dolphy in Europe Volumes 1, 2, and 3』(1と3は『Copenhagen Concert』としてもリリース)、『Stockholm Sessions』を参照[24])。 その後、1963年に『Mingus Mingus Mingus Mingus』を手掛けたミュージシャンのひとりとなり、『Hora Decubitus』でフィーチャーされている。

1964年の初めには、ジャキ・バイアード、ジョニー・コールズ、クリフォード・ジョーダンを含むミンガスのワーキング・バンドに戻った[7]。この6人 組はファイブ・スポットで活動した後、ニューヨークのコーネル大学とタウン・ホールで演奏し(どちらも録音されている:Cornell 1964とTown Hall Concert)、その後ヨーロッパ・ツアーを行った。この短いツアーは、『リベンジ!』、『ザ・グレート・コンサート・オブ・チャールズ・ミンガス』、 『ミンガス・イン・ヨーロッパ第1巻』、『ミンガス・イン・ヨーロッパ第2巻』に詳しく記録されている。

ジョン・コルトレーン
1954年にコルトレーンがジョニー・ホッジスとロサンゼルスにいたときに知り合い、正式に共演するずっと前からドルフィーとジョン・コルトレーンはお互 いを知っていた。 [28][29]コルトレーンはマイルス・デイヴィスのクインテットで聴衆と批評家の注目を集めたが、ハード・バップから離れ始めたことで一部の主要な ジャズ批評家を疎外した。コルトレーンとドルフィーのクインテット(ヴィレッジ・ヴァンガードやアフリカ/ブラス・セッションを含む)は現在では受け入れ られているが、元々はダウンビート誌がコルトレーンとドルフィーの音楽を「アンチ・ジャズ」と決めつけるきっかけとなった。コルトレーンは後にこの批判に ついてこう語っている: 「ドルフィーがこの件で傷つくのを見て、私は傷ついた」[30]。

コルトレーンのヴァンガードでのレジデンシーの最初のリリースでは3曲が選ばれ、そのうちの1曲だけがドルフィーをフィーチャーしていた。その後30年以 上にわたって行き当たりばったりでリリースされた後、1997年にヴァンガードで録音された音楽を集めた包括的なボックスセット『The Complete 1961 Village Vanguard Recordings』がインパルス!からリリースされた。このセットはドルフィーをアルト・サックスとバス・クラリネットの両方で大きくフィーチャーし ており、「Naima」の演奏ではドルフィーがソリストとしてフィーチャーされている[31]。2001年のパブロのボックス・セットでは、1960年代 初めのヨーロッパ・ツアーでのコルトレーンの演奏の録音をもとに、ドルフィーがフルートで演奏している「My Favorite Things」など、1961年のヴィレッジ・ヴァンガードの音源にはない曲をフィーチャーしている[32]。

ブッカー・リトル
トランペッターのブッカー・リトルとドルフィーは、短期間の音楽的パートナーシップを結んだ[33]。 リトルがキャンディッドに残したリーダー作『アウト・フロント』では、ドルフィーは主にアルト・サックスで参加したが、アンサンブルではバス・クラリネッ トとフルートを演奏している。さらに、ドルフィーのアルバム『Far Cry』はプレステージで録音され、リトルが5曲参加している(そのうちの1曲「Serene」はオリジナルLPには収録されていない)。

ドルフィーとリトルは、1961年にファイブ・スポットでクインテットを組んでいる。リズム・セクションは、リチャード・デイヴィス、マル・ウォルドロ ン、エド・ブラックウェルで構成されていた[1]。一晩の演奏が記録され、『At the Five Spot』(+メモリアル・アルバム)やコンピレーション『Here and There』としてリリースされている。さらに、ドルフィーとリトルはアビー・リンカーンのアルバム『Straight Ahead』のバックを務め、マックス・ローチの『Percussion Bitter Sweet』で演奏した。リトルは1961年10月、23歳で亡くなった。

その他
ドルフィーは、ジョージ・ラッセル(『Ezz-thetics』)、オリヴァー・ネルソン(『Screamin' the Blues』、『The Blues and the Abstract Truth』、『Straight Ahead』)、オーネット・コールマン(『Free Jazz: A Collective Improvisation』、『Twins』のフリー・ジャズのアウトテイク)の主要録音にも参加した。また、ガンサー・シュラー(『Jazz Abstractions』)、マルチ・インストゥルメンタリストのケン・マッキンタイア(『Looking Ahead』)、ベーシストのロン・カーター(『Where?)
As a leader
Dolphy's recording career as a leader began with Prestige. His association with the label spanned 13 albums recorded from April 1960 to September 1961, though he was not the leader for all of the sessions. Fantasy released a 9-CD box set in 1995 containing all of Dolphy's recorded output for Prestige.[34]

Dolphy's first two albums as leader were Outward Bound and Out There; both featured cover artwork by Richard "Prophet" Jennings.[35][1] The first, sounding closer to hard bop than some later releases,[36][37] was recorded at Rudy Van Gelder's studio in New Jersey with trumpeter Freddie Hubbard, who shared rooms with Dolphy for a time when the two men first arrived in New York.[38] The album features three Dolphy compositions: "G.W.", dedicated to Gerald Wilson, and the blues "Les" and "245". Out There is closer to third stream music,[39] which would also form part of Dolphy's work, and features Ron Carter on cello. Charles Mingus's "Eclipse" from this album is one of the rare instances where Dolphy solos on soprano clarinet (others being "Warm Canto" from Mal Waldron's The Quest,[40] "Densities" from the compilation Vintage Dolphy,[41] and "Song For The Ram's Horn" from an unreleased recording from a 1962 Town Hall concert).

Dolphy occasionally recorded unaccompanied saxophone solos;[42] his only predecessors were the tenor players Coleman Hawkins ("Picasso", 1948)[43] and Sonny Rollins (for example "Body and Soul", 1958),[44] making Dolphy the first to do so on alto. The album Far Cry contains his performance of the Gross-Lawrence standard "Tenderly" on alto saxophone,[45] and, on his subsequent tour of Europe, Billie Holiday's "God Bless the Child" was featured in his sets.[46] (The earliest known version was recorded at the Five Spot during his residency with Booker Little.) He also recorded two takes of a short solo rendition of "Love Me" in 1963, released on Conversations and Muses.

Twentieth-century classical music was also part of Dolphy's musical career. He was very familiar with the music of composers such as Anton Webern and Alban Berg,[27] had a large record collection that included music by these composers, as well as by Debussy, Ravel, Stravinsky, and Bartók,[47] and owned scores by composers such as Milton Babbitt, Donald Erb, Charles Ives, and Olivier Messiaen.[48][49][50] He visited Edgard Varèse at his home,[51] and performed the composer's Density 21.5 for solo flute at the Ojai Music Festival in 1962.[52] Dolphy also participated in Gunther Schuller's and John Lewis's Third Stream efforts of the 1960s, appearing on the album Jazz Abstractions, and admired the Italian flute virtuoso Severino Gazzelloni, after whom he named his composition Gazzelloni.[53]

Around 1962–63, one of Dolphy's working bands included the pianist Herbie Hancock, who can be heard on The Illinois Concert, Gaslight 1962, and the unissued Town Hall concert with poet Ree Dragonette.

In July 1963, producer Alan Douglas arranged recording sessions for which Dolphy's sidemen were emerging musicians of the day, and the results produced the albums Iron Man and Conversations, as well as the Muses album released in Japan in late 2013. These sessions marked the first time Dolphy played with Bobby Hutcherson, whom he knew from Los Angeles, and whose sister he dated at one point.[54] The sessions are perhaps best known for the three duets Dolphy performs with bassist Richard Davis on "Alone Together", "Ode To Charlie Parker", and "Come Sunday"; the aforementioned release Muses adds another take of "Alone Together" and an original composition for duet from which the album takes its name.

In 1964, Dolphy signed with Blue Note Records and recorded Out to Lunch! with Freddie Hubbard, Bobby Hutcherson, Richard Davis and Tony Williams. This album features Dolphy's fully developed avant-garde yet structured compositional style rooted in tradition. It is often considered his magnum opus.[55]

European career
After Out to Lunch! and an appearance on pianist/composer Andrew Hill's Blue Note album Point of Departure, Dolphy left for Europe with Charles Mingus' sextet in early 1964. Before a concert in Oslo, he informed Mingus that he planned to stay in Europe after their tour was finished, partly because he had become disillusioned with the United States' reception to musicians who were trying something new. Mingus then named the blues they had been performing "So Long Eric". Dolphy intended to settle in Europe with his fiancée Joyce Mordecai, who was working in the ballet scene in Paris.[12] After leaving Mingus, he performed and recorded a few sides with various European bands, and American musicians living in Paris, such as Donald Byrd and Nathan Davis. Last Date, originally a radio broadcast of a concert in Hilversum in the Netherlands, features Misha Mengelberg and Han Bennink, although it was not Dolphy's last public performance. Dolphy was also planning to join Albert Ayler's group,[11] and, according to Jeanne Phillips, quoted in A. B. Spellman's Four Jazz Lives, was preparing himself to play with Cecil Taylor.[56] He also planned to form a band with Woody Shaw, Richard Davis, and Billy Higgins,[57] and was writing a string quartet, Love Suite.[1]
リーダーとして
ドルフィーのリーダーとしてのレコーディング・キャリアはプレステージから始まった。このレーベルとの関係は、1960年4月から1961年9月までに録 音された13枚のアルバムに及んだが、すべてのセッションでリーダーを務めたわけではない。ファンタジーは1995年に、ドルフィーがプレステージで録音 した全作品を収録した9枚組のボックス・セットをリリースした[34]。

ドルフィーのリーダーとしての最初の2枚のアルバムは『Outward Bound』と『Out There』で、どちらもリチャード・"プロフェット"・ジェニングスによるジャケット・アートワークがフィーチャーされている[35][1]。最初のア ルバムは、後にリリースされたいくつかのアルバムよりもハード・バップに近いサウンドで[36][37]、ニュージャージーにあるルディ・ヴァン・ゲル ダー(Rudy Van Gelder)のスタジオで、トランペット奏者のフレディ・ハバード(Freddie Hubbard)と共に録音された: ジェラルド・ウィルソンに捧げられた "G.W."、ブルースの "Les "と "245 "である。アウト・ゼア』は、ドルフィーの作品の一部でもあるサード・ストリーム音楽[39]に近く、ロン・カーターがチェロで参加している。このアルバ ムに収録されているチャールズ・ミンガスの「Eclipse」は、ドルフィーがソプラノ・クラリネットでソロを演奏している数少ない例のひとつである(他 には、マル・ウォルドロンの『The Quest』収録の「Warm Canto」[40]、コンピレーション『Vintage Dolphy』収録の「Densities」[41]、1962年のタウン・ホール・コンサートからの未発表録音による「Song For The Ram's Horn」などがある)。

ドルフィーは時折無伴奏のサックス・ソロを録音しており[42]、彼の唯一の先達はテナー奏者のコールマン・ホーキンス(『Picasso』1948年) [43]とソニー・ロリンズ(『Body and Soul』1958年など)であり[44]、アルトでそれを行ったのはドルフィーが初めてである。アルバム『Far Cry』には、グロス=ローレンスのスタンダード曲「Tenderly」をアルトサックスで演奏したものが収録されており[45]、その後のヨーロッパ・ ツアーでは、ビリー・ホリデイの「God Bless the Child」がセットで演奏された[46]。彼はまた、1963年に『Conversations and Muses』からリリースされた「Love Me」の短いソロ演奏を2テイク録音している。

20世紀のクラシック音楽もドルフィーの音楽キャリアの一部だった。彼はアントン・ヴェーベルンやアルバン・ベルクなどの作曲家の音楽に精通しており [27]、ドビュッシー、ラヴェル、ストラヴィンスキー、バルトーク[47]、ミルトン・バビット、ドナルド・アーブ、チャールズ・アイヴズ、オリヴィ エ・メシアンなどの作曲家の楽譜を所有していた。 [48][49][50]彼はエドガール・ヴァレーズの自宅を訪れ[51]、1962年のオーハイ音楽祭でこの作曲家のフルート独奏のための《密度 21.5》を演奏した[52]。ドルフィーはまた、1960年代のガンサー・シュラーとジョン・ルイスのサード・ストリームに参加し、アルバム『Jazz Abstractions』に参加。

1962年から63年頃、ドルフィーの活動バンドのひとつにピアニストのハービー・ハンコックがおり、『The Illinois Concert』、『Gaslight 1962』、詩人のリー・ドラゴネットとの未発売の『Town Hall concert』で聴くことができる。

1963年7月、プロデューサーのアラン・ダグラスは、ドルフィーのサイドメンに当時の新進ミュージシャンを起用したレコーディング・セッションを企画 し、その結果、アルバム『アイアンマン』と『カンバセーションズ』、そして2013年末に日本でリリースされたアルバム『ミューズ』が生まれた。これらの セッションは、ドルフィーがロサンゼルスで知り合い、一時はその妹とも交際していたボビー・ハッチャーソンと初めて共演したことを意味する[54]。この セッションは、ドルフィーがベーシストのリチャード・デイヴィスとデュエットした「Alone Together」、「Ode To Charlie Parker」、「Come Sunday」の3曲で最もよく知られている。前述のリリース『Muses』では、「Alone Together」の別テイクと、アルバム名の由来となったデュエットのためのオリジナル曲が追加されている。

1964年、ドルフィーはブルーノート・レコードと契約し、フレディ・ハバード、ボビー・ハッチャーソン、リチャード・デイヴィス、トニー・ウィリアムス と『アウト・トゥ・ランチ!』を録音した。このアルバムは、伝統に根ざしつつも構造化されたドルフィーの前衛的な作曲スタイルが存分に発揮されている。こ のアルバムは、しばしば彼の最高傑作とみなされている[55]。

ヨーロッパでの活動
アウト・トゥ・ランチ!』と、ピアニスト/作曲家であるアンドリュー・ヒルのブルーノート・アルバム『ポイント・オブ・デパーチャー』に参加した後、 1964年初頭、ドルフィーはチャールズ・ミンガスのセクステットと共にヨーロッパへ旅立った。オスロでのコンサートの前、彼はミンガスに、新しいことに 挑戦するミュージシャンに対するアメリカの対応に幻滅したこともあり、ツアーが終わってもヨーロッパに留まるつもりだと伝えた。そしてミンガスは、彼らが 演奏していたブルースを「ソー・ロング・エリック」と名付けた。ドルフィーは、パリのバレエ界で働いていた婚約者ジョイス・モルデカイとともにヨーロッパ に定住するつもりだった[12]。ミンガスと別れた後、ヨーロッパのさまざまなバンドや、ドナルド・バードやネイサン・デイヴィスといったパリ在住のアメ リカ人ミュージシャンと共演し、いくつかの面をレコーディングした。オランダのヒルヴェルスムでのコンサートをラジオで放送した『Last Date』には、ミーシャ・メンゲルベルグとハン・ベニンクが出演しているが、これはドルフィーの最後の公開演奏ではなかった。ドルフィーはまた、アル バート・アイラーのグループに参加することを計画しており[11]、A. B. Spellman's Four Jazz Livesに引用されているJeanne Phillipsによれば、セシル・テイラーと演奏する準備をしていた[56]。
Personal life and death
Dolphy was engaged to marry Joyce Mordecai, a classically trained dancer who resided in Paris.[12]

Before he left for Europe in 1964, Dolphy left papers and other effects with his friends Hale Smith and Juanita Smith. Eventually much of this material was passed on to the musician James Newton.[12] It was announced in May 2014 that six boxes of music papers had been donated to the Library of Congress.[12][58]

On June 27, 1964, Dolphy traveled to Berlin to play with a trio led by Karl Berger at the opening of a jazz club called The Tangent.[59] He was apparently seriously ill when he arrived, and during the first concert was barely able to play. He was hospitalized that night, but his condition worsened.[60] On June 29, Dolphy died after falling into a diabetic coma. While certain details of his death are still disputed, it is largely accepted that he fell into a coma caused by undiagnosed diabetes. The liner notes to the Complete Prestige Recordings box set say that Dolphy "collapsed in his hotel room in Berlin and when brought to the hospital he was diagnosed as being in a diabetic coma. After being administered a shot of insulin he lapsed into insulin shock and died". A later documentary and liner notes dispute this, saying Dolphy collapsed on stage in Berlin and was brought to a hospital. The attending hospital physicians did not know Dolphy was a diabetic and teetotaler who did not smoke cigarettes or take drugs, deciding, based on a stereotype of jazz musicians, that he had overdosed on drugs.[11] He was left in a hospital bed for the drugs to run their course.[61]

Ted Curson remembered: "That really broke me up. When Eric got sick on that date [in Berlin], and him being black and a jazz musician, they thought he was a junkie. Eric didn't use any drugs. He was a diabetic—all they had to do was take a blood test and they would have found that out. So he died for nothing. They gave him some detox stuff and he died, and nobody ever went into that club in Berlin again. That was the end of that club".[62] Shortly after Dolphy's death, Curson recorded and released Tears for Dolphy, featuring a title track that served as an elegy for his friend.

Charles Mingus said, "Usually, when a man dies, you remember—or you say you remember—only the good things about him. With Eric, that's all you could remember. I don't remember any drags he did to anybody. The man was absolutely without a need to hurt."[22]

Dolphy was buried in Angelus-Rosedale Cemetery in Los Angeles. His headstone bears the inscription "He Lives In His Music."[63]

Legacy
John Coltrane acknowledged Dolphy's influence in a 1962 DownBeat interview, stating: "After he sat in... We began to play some of the things we had only talked about before. Since he's been in the band, he's had a broadening effect on us. There are a lot of things we try now that we never tried before. This helped me... We're playing things that are freer than before."[64] Coltrane biographer Eric Nisenson stated: "Dolphy's effect on Coltrane ran deep. Coltrane's solos became far more adventurous, using musical concepts that without the chemistry of Dolphy's advanced style he might have kept away from the ears of his public."[65] In his book Free Jazz, Ekkehard Jost provided specific examples of how Coltrane's playing began to change during the time he spent with Dolphy, noting that Coltrane started using wider melodic intervals like sixths and sevenths, and began focusing on integrating sound coloration and multiphonics into his solos.[66] Jost contrasted Coltrane's solo on "India", recorded in November 1961 while Dolphy was with the group, and released on Impressions, with his solo on "My Favorite Things", recorded roughly a year earlier, and released on the Atlantic album,[67] and observed that on "My Favorite Things", Coltrane "accepted the mode as more or less binding, occasionally aiming away from it... at tones foreign to the scale,"[68] whereas on "India", Coltrane, like Dolphy, played "around the mode more than in it."[68]

Dolphy's musical presence was also influential to many young jazz musicians who would later become prominent. Dolphy worked intermittently with Ron Carter and Freddie Hubbard throughout his career, and in later years he hired Herbie Hancock, Bobby Hutcherson and Woody Shaw to work in his live and studio bands. Out to Lunch! featured yet another young performer, drummer Tony Williams, and Dolphy's participation on Hill's Point of Departure session brought him into contact with the tenor player Joe Henderson.

Carter, Hancock and Williams would go on to become one of the quintessential rhythm sections of the decade, both together on their own albums and as the backbone of Miles Davis's second great quintet. This aspect of the second great quintet is an ironic footnote for Davis, who was critical of Dolphy's music: in a 1964 DownBeat "Blindfold Test", Miles quipped: "The next time I see [Dolphy] I'm going to step on his foot."[69] However, Davis new quintet's rhythm section had all worked under Dolphy, thus creating a band whose brand of "out" was strongly influenced by Dolphy.

Dolphy's virtuoso instrumental abilities and unique style of jazz, deeply emotional and free but strongly rooted in tradition and structured composition, heavily influenced such musicians as Anthony Braxton,[70] members of the Art Ensemble of Chicago,[71] Oliver Lake,[72] Arthur Blythe,[73] Don Byron,[74] and Evan Parker.[75]

Awards, honors, and tributes
Dolphy was posthumously inducted into the DownBeat magazine Hall of Fame in 1964.[76] John Coltrane paid tribute to Dolphy in an interview: "Whatever I'd say would be an understatement. I can only say my life was made much better by knowing him. He was one of the greatest people I've ever known, as a man, a friend, and a musician."[77] After Dolphy died, his mother gave Coltrane his flute and bass clarinet, and Coltrane, who traveled with Dolphy's photograph, hanging it on his hotel room walls,[26] proceeded to play the instruments on several subsequent recordings.[78]

Frank Zappa acknowledged Dolphy as a musical influence in the liner notes to the 1966 album Freak Out![79] and included a Dolphy tribute entitled "The Eric Dolphy Memorial Barbecue" on his 1970 album Weasels Ripped My Flesh.

Pianist Geri Allen analyzed Dolphy's music for her master's thesis at the University of Pittsburgh,[80] and paid tribute to Dolphy in tunes like "Dolphy's Dance," recorded and released on her 1992 album Maroons.[81]

In 1989, Po Torch Records released an album titled "The Ericle of Dolphi," featuring Evan Parker, Paul Rutherford, Dave Holland, and Paul Lovens.[82]

In 1997, the Vienna Art Orchestra released Powerful Ways: Nine Immortal Non-evergreens for Eric Dolphy as part of its 20th anniversary box-set.[83]

In 2003, to mark what would have been Dolphy's 75th birthday, a performance was made in his honor of an original composition by Phil Ranelin at the William Grant Still Arts Center in Dolphy's hometown Los Angeles.[84] Additionally, the Los Angeles County Board of Supervisors designated June 20 as Eric Dolphy Day.[84]

In 2014, marking 50 years since Dolphy's death, Berlin-based pianists Alexander von Schlippenbach and Aki Takase led a project, So Long, Eric!, celebrating Dolphy's music and featuring musicians such as Han Bennink, Karl Berger, Tobias Delius, Axel Dörner, and Rudi Mahall. That year also saw a Dolphy tribute by a Berlin-based group led by Gebhard Ullmann, who had previously founded a quartet named Out to Lunch in 1983.[81] In the United States, the arts group Seed Artists presented a two-day festival entitled Eric Dolphy: Freedom of Sound in Montclair, NJ that year.[12][85]

Dolphy's compositions are the inspiration for many tribute albums, such as Oliver Lake's Prophet and Dedicated to Dolphy, Jerome Harris' Hidden In Plain View,[86] Otomo Yoshihide's re-imagining of Out to Lunch!,[87] Silke Eberhard's Potsa Lotsa: The Complete Works of Eric Dolphy,[88] and Aki Takase and Rudi Mahall's duo album Duet For Eric Dolphy.[89]

The ballad Poor Eric, composed by pianist Larry Willis and appearing on Jackie McLean's 1966 Right Now! album, is dedicated to Dolphy.

Dolphy was the subject of a 1991 documentary titled Last Date, directed by Hans Hylkema, written by Hylkema and Thierry Bruneau, and produced by Akka Volta.[90][91] The film includes video clips from Dolphy's TV appearances, along with interviews with the members of the Misha Mengelberg trio, with whom Dolphy recorded in June 1964, as well as commentary from Buddy Collette, Ted Curson, Jaki Byard, Gunther Schuller, and Richard Davis.
私生活と死
ドルフィーは、パリ在住のクラシック音楽の訓練を受けたダンサー、ジョイス・モルデカイと婚約していた[12]。

1964年にヨーロッパに旅立つ前、ドルフィーは友人のヘイル・スミスとファニタ・スミスに書類やその他の遺品を残した。最終的にこの資料の多くは音楽家 のジェームス・ニュートンに渡った[12]。2014年5月、6箱の音楽書類が米国議会図書館に寄贈されたことが発表された[12][58]。

1964年6月27日、ドルフィーはザ・タンジェントというジャズ・クラブのオープニングでカール・バーガー率いるトリオと演奏するためにベルリンに向 かった[59]。6月29日、ドルフィーは糖尿病性昏睡状態に陥り、死去。ドルフィーの死の詳細についてはまだ論争があるが、未診断の糖尿病が原因で昏睡 状態に陥ったというのが大方の見方である。Complete Prestige Recordings』ボックスセットのライナーノーツによれば、ドルフィーは「ベルリンのホテルの部屋で倒れ、病院に運ばれると糖尿病の昏睡状態である と診断された。インスリンの注射を打たれた後、彼はインスリン・ショックを起こして死亡した」とある。後に発表されたドキュメンタリーとライナーノーツに よれば、ドルフィーはベルリンのステージで倒れ、病院に運ばれたという。病院の主治医は、ドルフィーが糖尿病患者であり、タバコも吸わず薬物も摂取しない 禁酒主義者であることを知らず、ジャズ・ミュージシャンに対する固定観念に基づいて、薬物の過剰摂取と判断した[11]。

テッド・カーソンはこう回想している: 「あれには本当に参ったよ。ベルリンでの)あの日、エリックが病気になったとき、彼は黒人でジャズ・ミュージシャンだったから、ジャンキーだと思われたん だ。エリックは薬物など使っていなかった。彼は糖尿病で、血液検査をすればそれがわかったはずだった。だから彼は無駄死にしたんだ。彼らは彼に解毒剤を与 え、彼は死に、誰も二度とベルリンのあのクラブには行かなかった。ドルフィーの死後まもなく、カーソンは友人へのエレジーとなるタイトル曲を収録した 『Tears for Dolphy』をレコーディングし、リリースした。

チャールズ・ミンガス曰く、「普通、人が死んだら、その人の良いところだけを思い出すものだ。エリックの場合は、それしか思い出せない。彼が誰かにしたド ラッグのことは覚えていない。あの男は傷つける必要がまったくなかった」[22]。

ドルフィーはロサンゼルスのアンジェラス・ローズデール墓地に埋葬された。墓石には「He Lives In His Music」と刻まれている[63]。

遺産
ジョン・コルトレーンは1962年のダウンビートのインタビューでドルフィーの影響を認め、次のように語っている: 「彼が座ってから...。彼がバンドに加わってから......私たちは、それまで話していただけだったことを演奏し始めたんだ。彼がバンドに加わってか ら、彼は私たちに幅広い影響を与えてくれた。今、私たちが試していることの中には、以前は試していなかったことがたくさんある。そのおかげで...。以前 よりも自由な演奏ができるようになった」[64] コルトレーンの伝記作家エリック・ナイセンソンはこう述べている: 「コルトレーンに対するドルフィーの影響は深かった。コルトレーンのソロははるかに冒険的になり、ドルフィーの高度なスタイルの化学反応がなければ、大衆 の耳から遠ざけられていたかもしれない音楽的概念を使うようになった」[65]。エッケハルト・ヨストはその著書『フリー・ジャズ』の中で、ドルフィーと 過ごした期間にコルトレーンの演奏がどのように変化し始めたかについて、具体的な例を挙げている。 [66]ジョストは、ドルフィーがグループに在籍していた1961年11月に録音され、『インプレッションズ』からリリースされた「インディア」でのコル トレーンのソロと、そのおよそ1年前に録音され、アトランティック・アルバムからリリースされた「マイ・フェイヴァリット・シングス」でのソロを対比させ [67]、「マイ・フェイヴァリット・シングス」でのコルトレーンは「モードを多かれ少なかれ束縛するものとして受け入れ、時折そこから離れることを目指 した。 ...音階から外れた音色で"[68]、一方 "India "では、コルトレーンはドルフィーと同様に、"モードの中でというよりも、モードの周りで "演奏した"[68]。

ドルフィーの音楽的存在は、後に著名になる多くの若いジャズ・ミュージシャンにも影響を与えた。ドルフィーはキャリアを通じてロン・カーターやフレディ・ ハバードと断続的に仕事をし、後年にはハービー・ハンコック、ボビー・ハッチャーソン、ウディ・ショウをライブやスタジオのバンドに雇った。アウト・ トゥ・ランチ!』では、もう一人の若手ドラマー、トニー・ウィリアムスをフィーチャーし、ドルフィーはヒルの『ポイント・オブ・デパーチャー』セッション に参加したことで、テナー奏者のジョー・ヘンダーソンと接触した。

カーター、ハンコック、ウィリアムスは、それぞれのアルバムで共演し、マイルス・デイヴィスの2枚目の偉大なクインテットのバックボーンとして、この10 年のリズム・セクションの真髄のひとつとなった。2度目の偉大なクインテットのこの側面は、ドルフィーの音楽に批判的だったデイヴィスにとっては皮肉な脚 注である。1964年のダウンビートの「目隠しテスト」で、マイルスはこう口にした: 「しかし、デイヴィスの新しいクインテットのリズム・セクションは、全員がドルフィーの下で働いていたため、ドルフィーの影響を強く受けた "アウト "のブランドを持つバンドとなった。

ドルフィーのヴィルトゥオーゾ的な楽器の能力と、深く感情的で自由でありながら伝統と構成に強く根ざした独自のスタイルのジャズは、アンソニー・ブラクス トン[70]、アート・アンサンブル・オブ・シカゴのメンバー[71]、オリヴァー・レイク[72]、アーサー・ブライス[73]、ドン・バイロン [74]、エヴァン・パーカー[75]などのミュージシャンに大きな影響を与えた。

受賞、栄誉、賛辞
ドルフィーは死後、1964年にダウンビート誌の殿堂入りを果たした[76]。ジョン・コルトレーンはインタビューでドルフィーに賛辞を送った: 「控えめな表現になるけど、僕の人生はドルフィーによって作られたんだ。彼と知り合えたことで、私の人生はずっと良くなったとしか言いようがない。ドル フィーが亡くなった後、彼の母親はコルトレーンにフルートとバス・クラリネットをプレゼントし、コルトレーンはドルフィーの写真をホテルの部屋の壁に飾っ て旅をし[26]、その後のいくつかのレコーディングでその楽器を演奏するようになった[78]。

フランク・ザッパは1966年のアルバム『Freak Out!』のライナーノーツでドルフィーの音楽的影響を認めており[79]、1970年のアルバム『Weasels Ripped My Flesh』には「The Eric Dolphy Memorial Barbecue」と題されたドルフィーのトリビュートが収録されている。

ピアニストのゲリ・アレンは、ピッツバーグ大学の修士論文でドルフィーの音楽を分析し[80]、1992年のアルバム『Maroons』に収録されリリー スされた「Dolphy's Dance」のような曲でドルフィーへのオマージュを捧げている[81]。

1989年、ポー・トーチ・レコーズはエヴァン・パーカー、ポール・ラザフォード、デイヴ・ホランド、ポール・ローヴェンスをフィーチャーしたアルバム 『The Ericle of Dolphi』をリリースした[82]。

1997年、ウィーン・アート・オーケストラは『Powerful Ways』をリリース: 1997年、ウィーン・アート・オーケストラは、20周年記念ボックスセットの一部として『Nine Immortal Non-evergreens for Eric Dolphy』をリリースした[83]。

2003年、ドルフィーの75歳の誕生日を記念して、ドルフィーの故郷ロサンゼルスのウィリアム・グラント・スティル・アーツ・センターでフィル・ラネリ ンのオリジナル曲の演奏が行われた[84]。

2014年、ドルフィーの没後50年を記念して、ベルリンを拠点に活動するピアニストのアレクサンダー・フォン・シュリッペンバッハと高瀬アキが中心とな り、ドルフィーの音楽を讃え、ハン・ベニンク、カール・ベルガー、トビアス・デリウス、アクセル・デルナー、ルディ・マハールなどのミュージシャンを フィーチャーしたプロジェクト「So Long, Eric! この年は、1983年にOut to Lunchという名のカルテットを結成していたゲバルト・ウルマン率いるベルリンを拠点とするグループによるドルフィーのトリビュートも行われた [81]: 同年、ニュージャージー州モントクレアで「Freedom of Sound」が開催された[12][85]。

ドルフィーの作曲は、オリヴァー・レイクの『Prophet and Dedicated to Dolphy』、ジェローム・ハリスの『Hidden In Plain View』[86]、大友良英の『Out to Lunch!』の再映像化[87]、シルケ・エーベルハルトの『Potsa Lotsa: The Complete Works of Eric Dolphy』[88]、高瀬アキとルディ・マホールのデュオ・アルバム『Duet For Eric Dolphy』[89]など、多くのトリビュート・アルバムのインスピレーションとなっている。

ピアニストのラリー・ウィリスが作曲し、ジャッキー・マクリーンの1966年のアルバム『ライト・ナウ!』に収録されているバラード曲『プアー・エリッ ク』は、ドルフィーに捧げられたものである。

ドルフィーは、ハンス・ヒルケマ監督、ヒルケマとティエリー・ブリュノー脚本、アッカ・ヴォルタ制作による1991年のドキュメンタリー映画『Last Date』の題材となった[90][91]。この映画には、ドルフィーのテレビ出演時のビデオクリップ、1964年6月にドルフィーがレコーディングを 行ったミーシャ・メンゲルベルグ・トリオのメンバーへのインタビュー、バディ・コレット、テッド・カーソン、ジャキ・バイアード、ガンサー・シュラー、リ チャード・デイヴィスによる解説が含まれている。
Discography
Lifetime releases ( – June 1964)
1960: Outward Bound (New Jazz, 1960)
1960: Caribé with The Latin Jazz Quintet (New Jazz, 1961)
1960: Out There (New Jazz, 1961)
1960: Far Cry (New Jazz, 1962)
1961: At the Five Spot, Vol. 1 (New Jazz, 1961) – live
1961: At the Five Spot, Vol. 2 (Prestige, 1963) – live
1963: Conversations (FM, 1963) – also released as Music Matador (Affinity)
Posthumous releases (July 1964 – )
1959–60: Hot & Cool Latin (Blue Moon, 1996)
1960–61: Candid Dolphy (Candid, 1989) – alternate takes from sessions as a sideman
1960–61: Fire Waltz (Prestige, 1978)[2LP] – reissue of Ken McIntyre's Looking Ahead (New Jazz, 1961) and Mal Waldron's The Quest (New Jazz, 1962)
1960–61: Dash One (Prestige, 1982) – out-takes & previously unissued
1961: Memorial Album: Recorded Live At the Five Spot (Prestige, 1965) – live
1961: The Berlin Concerts (enja, 1978) – live
1961: The Complete Uppsala Concert (Jazz Door, 1993) – initially unofficial
1960–61: Here and There (Prestige, 1966) – live
1961: Eric Dolphy in Europe, Vol. 1 (Prestige, 1964) – live
1961: Eric Dolphy in Europe, Vol. 2 (Prestige, 1965) – live
1961: Eric Dolphy in Europe, Vol. 3 (Prestige, 1965) – live. also released as Copenhagen Concert with Eric Dolphy in Europe, Vol. 1.
1961: Stockholm Sessions (Enja, 1981)
1961: 1961 (Jazz Connoisseur, ?) – live in Munich. also released as Live in Germany (Stash); Softly, As in a Morning Sunrise (Natasha Imports); Munich Jam Session December 1, 1961 by Eric Dolphy Quartet with McCoy Tyner (RLR).[92]
1962: Eric Dolphy Quintet featuring Herbie Hancock: Complete Recordings (Lone Hill Jazz, 2004) – also released as Live In New York (Stash); Left Alone (Absord); Gaslight 1962 (Get Back)
1963: The Illinois Concert (Blue Note, 1999) – live
1962–63: Vintage Dolphy (GM Recordings/enja, 1986) – live
1963: Iron Man (Douglas International, 1968) – both Conversations and Iron Man were released as Jitterbug Waltz (Douglas , 1976)[2LP]; Musical Prophet: The Expanded 1963 New York Studio Sessions (Resonance, 2019)[3CD].
1964: Out to Lunch! (Blue Note, 1964)
1964: Last Date (Fontana, 1964) – for radio program at Hilversum
1964: Naima (Jazzway/West Wind, 1988) – for ORTF radio program at Paris
Compilation: Unrealized Tapes (West Wind) – recorded in 1964 for ORTF radio program at Paris. also released as Last Recordings and The Complete Last Recordings In Hilversum & Paris 1964 (Domino).
Compilation: Other Aspects (Blue Note, 1987) – recorded in 1960 & 64

As sideman
With Ornette Coleman

1960: Free Jazz: A Collective Improvisation (Atlantic, 1961)
1959–61: Twins (Atlantic, 1971)
With John Coltrane

Olé Coltrane (Atlantic, 1961)
Africa/Brass (Impulse!, 1961)
Live! at the Village Vanguard (Impulse!, 1962) – rec. 1961
Impressions (Impulse!, 1963)
The Complete 1961 Village Vanguard Recordings (Impulse!, 1997) – rec. 1961
Live Trane: The European Tours (Pablo, 2001) – rec. 1961–63
The Complete Copenhagen Concert (Magnetic, -)
/Complete 1961 Copenhagen Concert (Gambit, 2009) – rec. 1961
So Many Things: The European Tour 1961 (Acrobat, 2015) – rec. 1961
Evenings at the Village Gate: John Coltrane with Eric Dolphy (Impulse!, 2023) – rec. 1961
With Chico Hamilton

1958: The Chico Hamilton Quintet with Strings Attached (Warner Bros., 1959)
1958: Gongs East! (Warner Bros., 1959)
1958: The Original Ellington Suite (Pacific Jazz, 2000)
1959: The Three Faces of Chico (Warner Bros., 1959)
1959: That Hamilton Man (SESAC, 1959)
With John Lewis

1960: The Wonderful World of Jazz (Atlantic, 1961)
1960: Jazz Abstractions (Atlantic, 1961)
1960–62: Essence (Atlantic, 1965)
With Charles Mingus

1960: Charles Mingus Presents Charles Mingus (Candid, 1960)
1960: Pre-Bird (Mercury, 1961) – aka Mingus Revisited
1960: Mingus (Candid, 1961)
1960: Mingus at Antibes (Atlantic, 1976) – live
1962: The Complete Town Hall Concert (Blue Note, 1994) – live
1963: Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus (Impulse!, 1964)
1964: Town Hall Concert (Jazz Workshop, 1964) – live
1964: The Great Concert of Charles Mingus (America, 1971) – live
1964: Mingus in Europe Volume I (Enja, 1980) – live
1964: Mingus in Europe Volume II (Enja, 1983) – live
1964: Revenge! (Revenge, 1996) – live
1964: Cornell 1964 (Blue Note, 2007) – live
With Oliver Nelson

Screamin' the Blues (New Jazz, 1961) – rec. 1960
The Blues and the Abstract Truth (Impulse!, 1961)
Straight Ahead (New Jazz, 1961)
With Orchestra U.S.A.

Debut (Colpix, 1963)
Mack the Knife and Other Berlin Theatre Songs of Kurt Weill (RCA Victor, 1964)
With others

Clifford Brown, Clifford Brown + Eric Dolphy – Together: Recorded live at Dolphy's home, 1954 (Rare Live, 2005)
Ron Carter, Where? (New Jazz, 1961)
Eddie "Lockjaw" Davis, Trane Whistle (Prestige, 1960)
Sammy Davis Jr., I Gotta Right to Swing (Decca, 1960)
Phil Diaz, The Latin Jazz Quintet (United Artists, 1961)
Benny Golson, Pop + Jazz = Swing (Audio Fidelity, 1961)
Ted Curson, Plenty of Horn (Old Town, 1961)
Gil Evans, The Individualism of Gil Evans (Verve, 1964) – rec. 1963–64
Andrew Hill, Point of Departure (Blue Note, 1965) – rec. 1964
Freddie Hubbard, The Body & the Soul (Impulse!, 1963)
Abbey Lincoln, Straight Ahead (Candid, 1961)
Booker Little, Out Front (Candid, 1961)
Ken McIntyre, Looking Ahead (New Jazz, 1961)
Pony Poindexter, Pony's Express (Epic, 1962)
Max Roach, Percussion Bitter Sweet (Impulse!, 1961)
George Russell, Ezz-thetics (Riverside, 1961)
Mal Waldron, The Quest (New Jazz, 1962) – rec. 1961



























リ ンク

文 献

そ の他の情報


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